【前言：一抹跨越海洋的靛藍】
在東方陶瓷藝術的浩瀚星河中，若說白瓷是承載一切的畫布，那麼「吳須」（Gosu）便是那抹最深邃、最具生命力的靈魂之色。這種類源於天然鈷礦的釉下彩繪顏料，不僅是化學成分的堆疊，更是一段跨越國境、穿透時光的海上史詩。從波斯的礦山到中國的窯火，再到日本職人的筆尖，吳須的歷史，本質上就是一場關於「藍色」的全球大冒險。
「吳須」之美，美在它的「不純粹」。不同於現代工業生產中那種鮮艷卻扁平的純鈷藍，傳統天然吳須因含有氧化錳與氧化鐵等伴生礦物，在窯爐還原焰的洗禮下，呈現出一種帶著灰調、深沉且內斂的靛藍。這種藍，有著如水墨般的濃淡層次，既能描繪有田燒的纖細優雅，也能承受九谷燒的粗獷豪情。它是中國明代文人畫意與日本「侘寂」美學的交匯點，在藍與白的方寸之間，營造出一種靜謐而幽遠的意境。
回溯歷史，吳須的興衰與大航海時代的脈動息息相關。從十六世紀福建漳州窯大氣磅礴的「汕頭器」，到十七世紀日本伊萬里燒驚豔歐洲皇室的藍白光影，吳須不僅是貿易貨幣，更是文化的信使。它見證了技術的移轉——從中國的開發到日本的在地化變革；也見證了審美的演進——從實用的民俗器皿昇華為頂級的藝術傑作。
即便在化學顏料普及的今日，天然吳須依然是陶瓷創作者心中不可逾越的巔峰。本文將從十個關鍵架構出發，梳理這抹神祕藍色的前世今生，探究它如何從一塊不起眼的礦石，演變成東方陶瓷美學中永恆的經典符號。
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一、 藍色的原點：西亞鈷料與絲綢之路的邂逅
在探討「吳須」這抹深沉的東方藍之前，我們必須將視角投射回遙遠的西亞沙漠。陶瓷史上最動人的篇章，往往始於不同文明間的劇烈碰撞，而吳須的前身——鈷料（Cobalt），便是這場碰撞中最璀璨的火花。
1. 鈷藍的基因：來自波斯的原始召喚
早在唐代以前，中國本土雖有使用鈷料進行低溫鉛釉裝飾（如唐三彩藍釉）的紀錄，但那種藍色較為鮮明且流動性大，難以在高溫下呈現細膩線條。真正的變革發生在唐宋之間，透過綿延萬里的「絲綢之路」，一種被後世稱為「蘇麻離青」（Samarra Blue）或「回青」的神祕礦石，從古代波斯（今伊朗地區）長途跋涉進入中原。
這種產自卡尚（Kashan）等地的鈷礦，其特徵是「高鐵低錳」。與後來富含錳雜質的「本土吳須」截然不同，西亞鈷料在還原焰中會燒製出一種寶石般的、濃郁豔麗甚至帶有紫色調的靛藍，並常伴有鐵鏽斑（錫光）。這種顏料的引入，直接促成了元代青花瓷的橫空出世，為日後「吳須美學」的本土化轉型埋下了伏筆。
2. 絲路上的交換：技術與審美的複合
這不單是一場物質的交換，更是一場審美的倒灌。西亞民族熱愛湛藍，將其視為天空與水源的象徵；這種對藍色的極致追求，透過商隊的駝鈴聲，傳入了崇尚白瓷與青瓷的中國。當時的景德鎮工匠開始嘗試將這種昂貴的「進口料」應用於高溫瓷器上。
在此階段，每一兩鈷料的價值往往等同黃金，因此最初僅供皇室與上層階級使用。這種「貴族藍」的基因，使得藍白色調的瓷器從誕生之初就帶有一種超越日常的高級感。這時期的鈷料雖尚未被稱為「吳須」，但其「釉下彩繪」的技術邏輯——生坯作畫、罩釉、高溫一次燒成——已經完全成熟。這種技術將靈魂封存在冰層般的釉面之下，保證了顏色永不褪色，正是後來吳須瓷器能夠流傳百年的物理基礎。
3. 從「蘇麻離青」到「本土化」的萌芽
隨著元明兩代的交替，進口鈷料的供應受到西域政局變動的影響，時常面臨斷貨窘境。供應鏈的不穩定，迫使中國工匠開始在本土尋找替代品。他們在雲南、江西、廣東一帶的山區，發現了含有鈷成分的礦石。
然而，這些本土礦石與波斯進口料有著顯著的化學差異：它們普遍屬於「高錳低鐵」的類型。這種化學上的「不純」，在當時或許被視為技術挑戰，但從長遠的藝術發展史來看，卻是吳須美學的真正起點。本土礦石燒製出來的顏色不再是那種張揚的寶石藍，而是一種更接近水墨、帶有灰色調、發色沉穩且內斂的藍。
4. 歷史的必然：吳須定義的初步成形
這種「雜質美學」的出現，標誌著東方陶瓷審美從「追求異域華麗」轉向「回歸本土內省」。當本土鈷料開始大規模取代進口料時，顏料的特性發生了根本變化。它的渲染效果更好，更能表現出中國水墨畫中的「墨分五色」。第一段的歷史，是吳須從「他者」走向「自我」的過程。這場在絲綢之路上完成的技術接力，不僅創造了一種新的顏料，更創造了一個足以影響全球四百年的藍白帝國。
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二、 明代本土礦開發：從「回青」到「石子青」的本土化美學轉型
當歷史的車輪駛入明代，吳須的發展進入關鍵轉折點：從「依賴進口」到「完全本土化」。如果說西亞鈷料是點燃青花藝術的火種，那麼明代對本土礦石的深入開發與調配，則賦予了吳須真正屬於東方的、具有「文人性格」的生命力。
1. 禁海與斷鏈：本土礦石的崛起背景
明朝初年，隨著「海禁」政策的實施，原本依賴貿易進入中國的「蘇麻離青」變得極其稀缺。這場危機逼迫工匠們將目光轉向腳下的大地。工匠們在江西、廣東等地搜尋含鈷礦石，這些被稱為「石子青」或「土青」的礦產，最初被視為進口料的低價替代品，卻實際上開啟了中國陶瓷史上重大的「在地化」實踐。
2. 化學的宿命：錳與鐵交織出的「沉靜藍」
與純度極高的西亞鈷料相比，中國本土礦石含有高比例的氧化錳（Manganese）。在傳統陶工眼中，這些雜質最初被視為瑕疵，因為它們會讓燒製出的藍色顯得發灰、發黑。但隨著時間推移，這種「不純」演變出一種全新的美學價值。明代文人追求「溫潤如玉」與「含蓄內斂」，本土吳須所呈現出的那種帶有「灰調」的藍，恰恰與中國傳統水墨畫的「墨韻」產生了完美共鳴。這種由化學雜質帶來的「沉穩」，正是吳須美學的核心精髓。
3. 混合的藝術：回青與石子青的完美比例
明代中期（尤其是嘉靖、萬曆年間），隨著貿易短暫復甦，名為「回青」的高級料再次出現。聰明的景德鎮工匠發現，將昂貴的「回青」與本土的「石子青」按特定比例混合，能產生既鮮艷又不失沉穩的效果。
《天工開物》等古籍記錄了這種配比過程：回青比例高則色澤幽藍；石子青比例多則色澤平實。這種「調色」過程，象徵著吳須從原始礦物演變成一種可被精密控制的「顏料系統」。這種調配技術隨後深刻影響了福建地區的窯廠，奠定了未來傳入日本的「吳須」配方基礎。
4. 文人美學的介入：從裝飾到心境
在明代，陶瓷不僅是生活器皿，更是文人書齋中的賞玩之物。在本土顏料的支撐下，青花瓷的構圖從元代的「滿花裝飾」轉向明代的「意境留白」。
當畫師用毛筆蘸取混有本土礦料的吳須寫意揮灑時，顏料中的錳元素會隨著水分滲透產生微妙的擴散。這種「暈散」效果像極了生宣紙上的水墨變化。至此，吳須不再只是進口料的仿製品，它蛻變為能承載東方哲學的藝術介質。「藍即是墨」的觀念，正是日後日本茶人與陶瓷家對吳須瘋狂著迷的根本原因。
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三、 漳州窯與大航海：吳須名稱的全球誕生與海上絲路
當明代陶瓷工藝走向深海，吳須的歷史也從中原腹地轉移到了浪濤洶湧的東南沿岸。在福建漳州窯（平和窯）的煙囪下，以及歐洲商船的貨艙裡，這種帶有雜質、發色深沉的藍色礦物顏料，正式被賦予了影響後世數百年的名字與國際地位。
1. 邊緣的崛起：漳州窯的「民窯」生命力
十六、十七世紀，當景德鎮官窯忙於供應皇室時，福建漳州窯展現了極強的民間生命力。為了因應大航海時代激增的海外訂單，這裡使用的鈷料主要是來自福建、廣東本地的天然礦石。這些礦石雜質含量高，賦予了瓷器一種粗獷、深邃且極具「手感」的藍。這種不經雕琢、大氣磅礴的風格，意外捕捉到了海外市場——特別是日本、東南亞甚至歐洲——對於「東方異質美感」的想像。
2. 「吳須」之名的由來：海上貿易的語言轉譯
關於「吳須」一詞的正式出現，歷史學家普遍認為與這段時期的海上貿易密不可分。日本商人將從「吳地」（廣泛指稱中國南方沿海地區）運來的神祕藍色礦物稱為「吳之砂」或「吳產的材料」。在日語轉譯中，「吳之砂」逐漸簡化為「吳須」（Gosu）。這個名稱不僅標識產地，更隱含了對這種顏料特殊質感的認同。這是「吳須」第一次作為獨立工藝術語，被記載在跨國貿易清單中。
3. 汕頭器（Swatow Ware）：全球視野下的吳須美學
這時期由吳須繪製的瓷器，在西方貿易史上被稱為「汕頭器」。工匠們用吳須大膽勾勒羅盤、龍鳳或神獸，筆法飛動。在歐洲，荷蘭東印度公司的商人發現，這種藍色在燈光下具有一種神祕的透明感。吳須瓷器開始大規模進入歐洲城堡的博古架，引發了後來西方長達百年的「中國風」狂熱。
4. 歷史的匯流：從商品到文化的傳承
漳州窯的吳須史，證明了當一種顏料與自由市場結合時強大的藝術感染力。對日本而言，這段時期的貿易影響至深。當第一批漳州窯吳須瓷器抵達九州時，日本茶人被那種包含「澀味」（Shibui）與「不均勻感」的深沉藍色徹底震撼。這抹由福建礦石煉成的藍，正準備跨越對馬海峽，在日本土壤中種下未來「有田燒」的種子。
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四、 陶瓷技術入日：有田燒與吳須的引進與初期伊萬里之藍
隨著十七世紀初的到來，吳須的歷史舞台發生了劇烈的地理轉移。當朝鮮陶工李參平在九州有田的泉山發現優質瓷土，日本瓷器的元年正式開啟，而「吳須」則成了這場白色革命中唯一的色彩。
1. 創世紀的藍：技術移民與天然吳須的邂逅
在有田燒創始之初，日本國內尚無生產瓷器的技術。受命於鍋島藩的陶工們，除了鑽研高溫窯爐，最核心的難題便是如何重現中國明代那種迷人的藍色。早期的日本瓷器被稱為「初期伊萬里」（Early Imari），其風格深受中國影響。由於當時日本尚未發現本土鈷礦，所有顏料都必須透過長崎貿易進口珍貴的「唐吳須」。這種依賴使得早期的吳須被視為具有靈性的「聖水」，陶工們必須極度珍惜每一克粉末。
2. 物理與美學的磨合：生坏上的水墨實驗
有田工匠發現，唐吳須在瓷胎上的反應與陶器完全不同。瓷胎緻密且吸水快，吳須一旦落筆便迅速滲透。由於天然吳須含有雜質，在早期窯爐內經常會出現發色不均或黑點結晶。然而，日本人的審美意識中有一種獨特的「遺憾之美」，他們將這些黑點視為山水風景中的苔蘚，賦予了吳須瓷器如同水墨畫般的意境。
3. 藍白平衡的定調：留白美學的昇華
在初期伊萬里作品中，常見獨特的「留白」。這固然與顏料昂貴有關，但更多是受到日本傳統空間感（Ma）的影響。吳須被用來描繪精簡的花草或幾何紋飾，大面積的白瓷空間則用來襯托吳須的深邃。相較於明代晚期風格繁複的瓷器，有田燒的吳須作品展現了一種清冷、寂靜的特質。
4. 歷史的奠基：從模仿到超越的起點
這段時期是日本陶瓷史的黃金黎明。吳須作為進口奢侈品，訓練了一批具備高超繪畫能力的「繪付師」。他們在練習使用唐吳須的過程中，逐漸掌握了控制顏料濃淡的技巧，這為後來更高級的「濃技法」奠定了基礎。
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五、 海禁與轉捩點：日本吳須的在地化發展與「燒吳須」技法的誕生
十七世紀中葉，隨著明末清初中國陷入戰亂與「遷界令」實施，中國「唐吳須」輸出斷絕。這場危機意外開啟了日本陶瓷史上最神聖的「在地化」自覺。
1. 絕境中的尋找：瀨戶與國內鈷礦的發現
在進口顏料枯竭的威脅下，陶工們在愛知縣瀨戶一帶山區發現了含有鈷成分的土礦，稱為「瀨戶吳須」或「土吳須」。與唐吳須相比，日本本土礦石含鐵與雜質更高，燒成後色澤極度偏灰、偏黑。起初這被視為「劣等品」，但這種與泥土息息相關的原始色澤，逐漸與日本文化中的「寂（Sabi）」美學產生共鳴。
2. 「燒吳須」的技術革命：從礦石到精煉顏料
為了提升本土吳須的品質，日本陶工研發出獨特的「燒吳須」程序。職人先將原礦高溫煅燒（Calcination），燒掉多餘有機雜質並使成分穩定，再經過長時間研磨與水洗。經過煅燒的吳須，燒製後呈現一種深邃如靜謐森林的藍色。這種藍色雖然失去了唐吳須的清亮，卻多了一種「厚度」，促使日本染付轉向追求具備厚重感、禪意濃厚的藝術表現。
3. 地緣審美的分化：官窯與民窯的藍色博弈
獲藩主支持的「鍋島藩窯」仍竭力獲取少量唐吳須以追求「絕對純淨」；而民窯則擁抱本土吳須的不確定性。瀨戶窯職人發現，本土吳須在燒製中形成的「鐵鏽斑」或「聚墨點」，在茶人眼中成了「自然之趣」。這種審美轉型，讓吳須成為一種能夠表現「歲月痕跡」的載體。
4. 在地化的完成：從替代品到經典色
到了十七世紀末，日本已發展出成熟的本土吳須體系，甚至出現了將進口料與本土料混配的「合吳須」。這段歷史證明：技術的斷層往往是創造力的開端。正是因為被迫使用那些「不純」的本土礦石，才誕生了日本陶瓷獨樹一格的大地力量感。
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六、 文化輸出：荷蘭東印度公司與歐洲的「藍色狂熱」
十七世紀中葉，荷蘭東印度公司（VOC）成為推動吳須美學全球化的引擎。因中國戰亂導致景德鎮停產，歐洲目光轉向日本，開啟了一場吳須美學的「視覺殖民」與跨文化融合。
1. 藍白狂熱的極致：貴族階層的「瓷器病」
十七、十八世紀的歐洲貴族對東方瓷器產生了近乎宗教式的崇拜，史稱「瓷器病」（Porcelain Sickness）。由吳須勾勒出的藍色圖案，象徵著東方的神祕與優雅。荷蘭豪宅與德國皇宮紛紛開闢「瓷器室」，藍與白的純粹對比，徹底重塑了歐洲室內裝飾的色調。
2. VOC 的設計干預：當吳須遇見西洋紋章
為了讓吳須瓷器更契合歐洲市場，VOC 將歐洲設計圖稿運往長崎。日本職人開始改良吳須發色，精煉出層次更分明、發色更趨純藍且具備透明感的配方，即所謂的「皇家藍」。這種因應市場誕生的色彩，讓吳須的色階在世界工藝史上變得空前寬廣。
3. 技術的追隨與模仿：德爾夫特藍與麥森的實驗
吳須瓷器的暴利催生了歐洲本土陶瓷工業的革命。荷蘭德爾夫特（Delft）開發出模仿吳須發色的「藍陶」。1710年，德國麥森（Meissen）燒製出真正的硬質瓷器時，其經典花紋幾乎照搬了吳須瓷器的構圖邏輯。吳須，就這樣成為了歐洲近現代陶瓷工業發展的導師。
4. 全球美學的一致化與藍色遺產
這段歷史確立了吳須在全球視覺文明中的「高級感」地位。它打破了地域審美藩籬，讓「藍與白」成為人類公認最洗鍊的色彩組合。我們今日在現代設計中所見的那種帶有「理性」特質的靛藍色，其根源皆可追溯回那艘裝滿吳須瓷器的荷蘭商船。
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七、 技法頂峰：濃淡「濃技法」與文人美學的極致演繹
江戶時代中後期，日本陶工挑戰在冰冷瓷面上重現水墨畫「墨分五色」的意境，催生了傳奇的著色技法——「濃（Dami）」。
1. 墨韻的瓷化：吳須作為水墨的延伸
日本文人認為單一藍色缺乏生命力。受禪宗水墨畫影響，陶工利用吳須礦物顆粒的沉降特性，試圖表現光影明暗。這促使了特殊工具「濃筆」（Dami-fude）的誕生——一支筆頭碩大、能吸納驚人水量的特製畫筆，其目的不在「畫」，而在「載水」。
2. 指尖上的重力魔術：濃技法的操作奧義
「濃」技法是一場與表面張力的博弈。職人左手托住易碎的生坏，右手利用指尖擠壓筆根，讓顏料水像巨大的珍珠般懸掛在筆尖與瓷胎之間，引導顏料平穩滑動。這種技法能產生不留筆觸、極度均勻且帶有透明感的色塊。燒成後，由深至淺的「漸層感」展現出如霧氣蒸騰般的立體視覺。
3. 藍與白的空間對峙：禪意留白的昇華
在「濃」技法成熟後，如「鍋島燒」等作品常在盤緣施以重墨般的濃藍，中心留出純淨白瓷。這種深淺對比賦予瓷器「時間的厚度」。吳須礦物結晶的細微折射，讓觀者感受到顏色從釉底「浮」上來的質感，完美契合「侘寂」哲學。
4. 職人精神的極致考驗
掌握「濃」技法往往需要十數年苦練。在進行大面積填濃時，職人必須屏息以求手部絕對穩定。這抹藍色，至此不再只是顏料，而是一種涉及修行、哲學與肉體記憶的綜合藝術。
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八、 工業革命與衝擊：化學鈷藍的強勢入侵與天然吳須的退場
十九世紀末，隨著工業革命，純度極高的化學氧化鈷（Cobalt Oxide）——即「洋吳須」，帶著工業時代的冷酷與精準，發起了對天然吳須的全面戰爭。
1. 洋吳須的進擊：完美卻冰冷的化學勝利
1870年代，明治維新時期，化學顏料湧入東亞。相較於天然吳須繁複的生產流程，「洋吳須」開罐即用、發色穩定且極其鮮艷。它去除了氧化錳與鐵等「雜質」，燒出的藍色呈現近似霓虹的「電光藍」。對於急於透過量產賺取外匯的窯廠，這簡直是科學賜予的神蹟。
2. 美學的喪失：雜質消失後的「層次黑洞」
然而，技術的勝利是以美學靈魂為代價。天然吳須的魅力正來自其雜質，錳與鐵讓其具備「深度」與「透明感」。反觀化學吳須，因純度太高而失去了暈散與堆疊的能力，在資深職人眼中顯得「乾枯、扁平」。
3. 從「靈性手繪」到「機械轉印」：工藝靈魂的抽離
為了滿足歐美市場，窯廠引進「貼花轉印」與「橡皮印章」。吳須被降格為一種標準化的「標籤」，雖然成品整齊劃一，但那種「一期一會」的手工溫度卻消失了。職人成了生產線上的操作工，吳須從此失去了神祕的靈性光輝。
4. 傳統的輓歌與新秩序的建立
在這場博弈中，天然吳須幾乎全面潰敗。日本與中國的陶瓷產區出現了嚴重的「視覺同質化」。然而，正是這種極度的工業化審美疲勞，意外引發了後來的反思：當美感可以被廉價複製時，靈魂該依附何處？
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九、 現代工藝復興：民藝運動與天然吳須的價值再發現
二十世紀初，柳宗悅、濱田庄司與伯納德·里奇發起的「民藝運動」（Mingei Movement），將幾乎熄滅的天然吳須火種重新拾起。
1. 醜之美：重新定義「雜質」的人文價值
柳宗悅提出震撼觀點——「澀味」（Shibui）。他認為那些被化學實驗室剔除的雜質，正是賦予吳須「生命感」的關鍵。民窯器皿雖然發色不均，卻能與日常生活共鳴。真正的美不在絕對純淨，而在於包容自然缺陷的真實感。
2. 職人精神的歸位：研磨時光中的藍色信仰
陶藝家們開始回歸古法，親自尋找礦石並進行長達數周的「水飛法」提煉。手工研磨出的吳須顆粒大小不一，能產生化學粉末無法比擬的光影層次。這種回歸是一場關於「時間」的抵抗，讓吳須重新成為注入職人生命的信仰色彩。
3. 跨越國界的交流與人間國寶
英國陶藝家伯納德·里奇將吳須美學帶回西方，與現代藝術融合。日本政府隨後設立「人間國寶」制度，如酒井田柿右衛門家族等大師對天然吳須的堅持，守護了這種關於「顏色」的文化基因。天然吳須的重生，標誌著人類審美從物質豐富向精神深度的回歸。
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十、 當代數位與跨界：吳須色的符號化、數據再生與未來願景
進入二十一世紀，吳須（Gosu）脫離了物理束縛，演變為具備強大生命力的「美學符號」。
1. 數位時代的色彩編碼
在現代色彩系統中，「吳須色」被定義為一種降低飽和度、滲透微量灰與青色調的靛藍。它在UI設計與精品包裝中提供「穩定感」與「知性深度」，成為強調內斂奢華的高端品牌所青睞的視覺代碼。
2. 跨界美學與數位再生
當代建築師參考吳須的「暈散」效果營造空間；時尚設計師利用數位印花模擬「濃淡技法」。更令人驚嘆的是，AI藝術家利用光譜數據在虛擬空間重建吳須的化學反應，創造出永不重複的「數位染付」。這讓年輕一代能透過數位媒介，感受到傳承千年的沉穩雅致。
3. 結語：不息的藍色史詩
回望《中外吳須史》，這抹藍色從西亞出發，在東方昇華，於工業時代重生。天然吳須中那些「不純粹」與「不確定性」，正是我們在標準化數位生活中最後的心靈棲息地。吳須的故事沒有終點，它將持續以符號、數據與工藝的形式，在自然與文明的交界處，變換姿態，永恆流轉。
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【吳須Gosu】：跨越千年的藍色史詩時間軸
•8世紀 (唐)： 西亞鈷料入華，低溫藍彩實驗。
•13世紀 (元)： 「蘇麻離青」引進，青花瓷技術成熟。
•15世紀 (明)： 本土「石子青」開發，錳鐵雜質確立「灰調藍」美學。
•16世紀末： 漳州窯輸出，「吳須」之名在日本誕生。
•1616年： 日本有田燒誕生，初期使用進口唐吳須。
•1650年代： 中國戰亂致斷貨，日本開發「燒吳須」與本土礦，確立「澀味」風格。
•18世紀： 歐洲「瓷器病」，吳須美學全球化；日本發展極致「濃」技法。
•1870年代： 化學「洋吳須」入侵，天然吳須式微。
•1920年代： 民藝運動復興天然吳須價值。
•21世紀： 吳須色成為數位與時尚的經典美學符號。